Category: 2/2020

«Тень ночи» Харрисона Бёртуисла: поэтика композиции

Аннотация: В статье рассматривается «Тень ночи» – одно из ключевых сочинений британского композитора Харрисона Бёртуисла, принадлежащее позднему периоду творчества (год создания 2001). Поскольку композитор при создании произведения посчитал необходимым сопроводить его вступительным текстом, объясняющим вкратце намерения автора, постольку стратегией исследования становится подробное объяснение основных идей и их трактовка в партитуре этого оркестрового сочинения. К основным идеям произведения можно отнести множественно трактуемую идею меланхолии, отраженную через соотнесение со знаменитой гравюрой Дюрера «Меланхолия», породившей обильную интерпретационную литературу; с британской барочной традицией – поэтической «Школой ночи», где внимание композитора привлечено к фигуре Джорджа Чапмена и его поэме «Тень ночи», давшей название музыкальному сочинению Бёртуисла; и музыкальной, где песня Джона Дауленда «Во тьме позволь мне быть» становится источником центрального мотива всей пьесы. Этот материал становится предметом композиторской работы, в котором проявляются характерные для Бёртуисла приемы, такие, как формообразование по типу «процессионала», развертывание мелодической «линии», пристрастие к различным видам остинато и выдержанным звукам (drones), оркестровка как средство артикуляции формы, разнообразные приемы ритмического варьирования, пост-серийная двенадцатитоновая звуковысотность. Композиция Бёртуисла впервые описывается в русскоязычной литературе, анализ позволяет установить, что композитор в своем позднем творчестве все более глубоко входит в круг образов, связанных с меланхолией как мощным символом не только скорбных и мрачных образов, но и с сопутствующим меланхолии творческим духом, «соком ночи». Abstract: The article is devoted to one of the most notable music pieces written by the British composer Harrison Birtwistle; it belongs to the late period of his activity as a composer (written in 2001). The composer decided to write a preface to this piece where he explained his main ideas and this fact served as a starting point for research on the techniques used by the composer in this composition. The key idea of the piece is the multiple interpretation of the melancholy phenomenon which is shown in different aspects such as “Melencolia” by Albrecht Durer, interpreted by a number of outstanding philosophers. British Barock tradition is represented by the poetic “School of Night” and one of its members, George Chapman who has written a poem “Shadow of night” which has given its name to the composition by Birtwistle. Another Barock author, composer John Dowland composed a song“In darkness let me dwell” which became a source of melodic element in Birtwistle`s composition. This element is developed in different ways and is included in such phenomenae as “processional” form, melodic “line”, preference of different ostinato figures, drones, orchestration as a means of articulating the development of form, rhythmic variations, post-serial twelve-tone technique. Analysis of Birtwistle`s “Shadow of night” appears for the first time in Russian music theory and it reveals the main features of late Birtwistle`s style: the deep interest to melancholy as a multifaceted phenomenon designating not only sorrowful images and dark mood but also revealing its link to the inner source of creative power, “the humor of the night”. Скачать статью 

Новая музыка в Австрии и Германии после 1918 года: от бунта к консолидации

Аннотация: 1918 год открывает не только новую политическую эпоху, но и новый период в истории искусства, связанный с выдвижением и укреплением новой музыки, которая была принята общественным сознанием лишь после Первой мировой войны.  Пройдя через «героические годы» 1910-х, в послевоенный период она постепенно формирует свою сецессионистскую культуру, которая включает в себя не только право сочинять новую музыку, но и возможность ее исполнять, слушать и оценивать. В статье освещается деятельность нескольких локальных обществ новой музыки в Вене, Берлине и Дрездене (шенберговское Общество закрытых музыкальных исполнений, группа «Свободное движение» вокруг Й.М.Хауэра, «Берлинская группа» Г.Шерхена, «Ноябрьская группа», кружок Э.Шульхофа). Рассматриваются проблемы репертуара, который не имел стилевых, национальных, идеологических и политических ограничений, но в силу организационно-экономических причин ограничивался преимущественно камерными сочинениями, а также деятельность новой музыкальной критики (журнал „Abnruch“ в Вене, „Melos“ в Берлине). Проанализированный в статье исторический материал позволяет по-новому оценить роль сецессионистской культуры новой музыки послевоенных лет, которая способствовала значительным изменениям в сфере ее исполнения, восприятия и оценки, что подготовило наступление эпохи новой музыки «под знаком организации» – расцвет фестивального движения в середине 1920-х. Вместе с тем радикальное искусство быстро утрачивает единство: противостояние разнонаправленных эстетических тенденций (школа Шенберга и неоклассицизм) ведет к расколу. Революционный импульс постепенно исчерпывает себя, новая музыка академизируется и становится традицией Abstract: The year 1918 opens a new political era as well as a new period in the history of art. It is associated with the promotion and strengthening of new music, which was accepted by the public only after the First World War. After the “heroic years” of the 1910s, new music gradually formed its own secessionist culture in the post-war period. It gave the right to compose new music as well as an opportunity to perform, listen, and evaluate it. The article covers the activities of several local new music societies in Vienna, Berlin, and Dresden (Schoenberg Society for Private Musical Performances, J. M. Hauer’s Free Movement group, The Berlin Group of H. Scherchen, The November Group, and E. Schulhoff’s circle). The article explores the repertoire which had no stylistic, national, ideological, or political restrictions. However, due to organizational and economic reasons it was limited mainly to chamber compositions. The article also focuses on the criticism of new music (Abnruch magazine in Vienna, Melos magazine in Berlin). The historical evidence analyzed in the article allows us to re-evaluate the role of the secessionist culture of new music in the post-war years, which contributed to significant changes in its performance, perception and evaluation. This, in turn, marked the beginning of the era of new music as an “organized activity” —the heyday of the festival movement in the mid-1920s. At the same time, radical art was rapidly losing its unity: the confrontation of divergent aesthetic trends (the Schoenberg school and Neoclassicism) resulted in a split. The revolutionary impulse gradually exhausted itself, new music was academized and became a tradition. Скачать статью

«Китайский стиль» в музыке рубежа XIX-XX вв.

Аннотация: Объектом изучения в статье являются особенности восприятия и интерпретации Китая и китайского в европейской музыке рубежа XIX–XX вв., когда в искусстве возникает новый расцвет шинуазри («китайского стиля»). Автор опирается на комплексный подход и использует культурно-исторический, социологический, сравнительно-исторический и музыкально-аналитический методы. На основе анализа произведений русской и европейской музыки, связанных с «китайским стилем», доказывается, что развитие шинуазри конца XIX – начала ХХ века происходило под влиянием меняющихся культурных и политических отношений Китая с крупнейшими европейскими державами. Основными вехами стали европейская колониальная политика XIX века и растущий экспорт экзотических товаров, знакомство с культурой Дальнего Востока на Всемирных выставках, а затем обострение отношений, китайское восстание ихэтуаней, истребление христиан, вторжение в Китай войск восьми европейских государств, битва за Пекин. Под влиянием этих событий романтический взгляд на Поднебесную, изысканность и восточная нега постепенно уходят в прошлое, и Китай начинает изображаться как дикий, стихийно-необузданный и смертельно опасный. Эволюция «китайского стиля» отразила и смену художественных ориентиров эпохи: от позднеромантических воплощений экзотики через «игры в рококо» и утрированную красоту модерна – к варварски-диким звучаниям экспрессионизма, от «обобщенного Востока» – к все большей национальной характерности и расширению спектра специфических средств (фактура, лад, тембры, темпы и т.д.). Научная новизна статьи обусловлена тем, что музыкальное шинуазри рубежной эпохи впервые рассматривается как целостное явление, очерчивается его эволюция и характерные особенности. Автор приходит к выводу, что путь развития шинуазри в музыке рубежа XIX-ХХ вв. – это путь к формирующемуся диалогу между культурами Востока и Запада. Abstract. The study focuses on the features of perception and interpretation of China and Chinese culture in European music at the turn of the 19th/20th centuries—yet another heyday for chinoiserie (“Chinese style”) in art. The author uses an integrated approach which encompasses cultural-historical, sociological, comparative-historical and musical-analytical methods. The analysis of Russian and European music associated with the “Chinese style” proves that the development of chinoiserie in the late 19th -early 20th century was influenced by changing cultural and political relations between China and the major European powers. The main milestones were the European colonial policy of the 19th century, growing export of exotic goods as well as the acquaintance with the culture of the Far East at the World Exhibitions. This was followed by the aggravation of relations, the Boxer Rebellion, extermination of Christians, the invasion of China by troops of eight European counties, the Battle of Beijing. Under the influence of these events, the romantic view of the Celestial Empire, sophistication and oriental bliss are gradually fading into the past, and China begins to be portrayed as wild, spontaneously unbridled and deadly. The evolution of the “Chinese style” also reflected the change in artistic landmarks of that time: from late romantic incarnations of exoticism through “playing rococo” and the exaggerated beauty of modernity to the barbaric wild sounds of expressionism; from the “generalized East”—to an increasingly national character and an expansion of the range of specific means (texture, mode, timbres, tempos, etc.).  It is the first time that musical chinoiserie of the turn of the centuries is considered as an integral phenomenon, which makes the...

«Отец-создатель» современной скрипичной школы игры: к юбилею Дж. Б. Виотти

Аннотация: Статья посвящена крупнейшему музыканту рубежа XVIII–XIX веков, признанному главе французской скрипичной школы Дж.Б. Виотти. В ней впервые в отечественном музыкознании сделан акцент на роли Виотти как основоположника современной школы скрипичной игры. Исполнительское искусство Виотти, направленное на достижение масштабной и экспрессивной манеры игры, раскрытие содержательности скрипичного тона и его широкого художественного воплощения нашло яркое отражение в жанре сольного скрипичного концерта. Сформированная им модель жанра послужила образцом для последующего поколения скрипачей-композиторов. Традиции творчества Виотти получили распространение по всей Европе. Во Франции они были развиты его ближайшими последователями – Р. Крейцером, П. Роде, П. Байо, ясно воплотились в их совместном труде – знаменитой «Скрипичной методике» (1802) Парижской консерватории. Во франко-бельгийской скрипичной школе их продолжателем стал А. Роберехтс, в чешской – Ф.В. Пиксис. В немецком скрипичном искусстве принципы Виотти укоренились благодаря композиторской и исполнительской деятельности Л. Шпора. На новом этапе развития скрипичного исполнительства большой вклад в их сохранение и развитие внесли выдающиеся педагоги Й. Иоахим и Л. Ауэр, воспитавшие не одно поколение прославленных скрипачей. Идеи концертного творчества Виотти, переосмысленные и индивидуально интерпретированные, присутствуют в скрипичных произведениях Н. Паганини, Л. ван Бетховена, Ф. Мендельсона, А. Вьëтана, Г. Венявского, Э. Лало, А. Дворжака, П.И. Чайковского, А.К. Глазунова, Я. Сибелиуса, а также С.С. Прокофьева, Д.Д. Шостаковича, А.И. Хачатуряна. Материал, предложенный автором, предлагает по-новому взглянуть на деятельность величайшего скрипача прошлого и оценить его вклад в формировании лучших традиций скрипичного исполнительства. Abstract: The article focuses on one of the key figures in the world of music at the turn of the 18th/19th centuries, an acknowledged leader of French school of violin playing—G.B. Viotti. The study is the first attempt of Russian musicology to highlight the role of Viotti as the founder of the modern school of violin playing. Viotti’s performing art with its large-scale and expressive manner of playing that reveals all the possibilities of violin as an instrument as well as ample opportunity for its artistic presentation, is vividly reflected in the genre of the solo violin concerto. His vision of the genre served as a model for the next generation of violin composers. Viotti’s traditions of creativity have extended throughout Europe. In France, they were developed by his closest followers—R. Kreutzer, P. Rode, P. Baillot, who embodied them in their joint work—the famous “Méthode de violon” (1802) of the Paris Conservatory. A. Robberechts became their successor in the Franco-Belgian violin school, while F.W. Pixis developed Viotti’s tradition in the Czech school. Viotti’s principles are rooted in German violin art thanks to the composing and performing activities of L. Spohr. At the new stage in the development of violin performance, a great contribution to the preservation and development of Viotti’s tradition was made by J. Joachim and L. Auer. The two outstanding teachers brought up more than one generation of famous violinists. Paganini, L. van Beethoven, F. Mendelssohn, H. Vieuxtemps, H. Wieniawski, E. Lalo, A. Dvořák, P. Tchaikovsky, A. Glazunov, J. Sibelius, as well as S. Prokofiev, D. Shostakovich, and A. Khachaturian borrowed, rethought and interpreted the creative ideas of Viotti’s concerts and the traces of these ideas are found in their violin works. The paper offers a fresh look at the activities of the greatest violinist of the past and evaluates Viotti’s contribution to the formation of the best traditions of violin playing. Скачать статью

Критичная / конвульсивная – музыка Роджера Редгейта

Аннотация: Статья Ричарда Барретта «Критичная / конвульсивная – Музыка Роджера Редгейта» является одной из первых работ, посвященных творчеству современного британского композитора – Р. Редгейта. Публикация вошла в первый выпуск тринадцатого тома «Contemporary Music Review» (1995-1996), который был посвящен творчеству группы британских композиторов, а сам выпуск озаглавлен «Аспекты сложности в современной британской музыке». Р. Барретт был свидетелем творческого формирования и взросления своего коллеги и соотечественника Р. Редгейта. Их пути продолжительное время пересекались, и одним из творческих результатов стал проект – ансамбль Exposé, который был совместно основан композиторами в 1984 году. В связи с этим статья Барретта обладает особой ценностью, поскольку дает возможность читателю увидеть критический взгляд и оценку творчества и творческого процесса коллеги по цеху. В статье рассмотрены ранние произведения, написанные Р. Редгейтом в период 1980-х начала 1990-х годов. Р. Барретт останавливается на наиболее важных аспектах, характеризующих творчество композитора: раскрывает генезис произведения, обобщенно описывает композиционные методы, затрагивает вопрос музыкальной нотации, используемой Р. Редгейтом. При этом автор статьи так декларирует свой подход к исследованию материала: « я нигде не цитировал и не перефразировал слова композитора: аксиома моего подхода заключается в личном путешествии по несколько опасной местности в надежде, что читатель сделает свое собственное». Статья Р. Барретта, впервые публикуется в русском переводе, дополнена предисловием и примечаниями переводчика Abstract: Richard Barrett’s article “Сritical / Convulsive – The Music of Roger Redgate” is one of the first works about a modern British composer R. Redgate. The publication was included in the first issue of the thirteenth volume of Contemporary Music Review (1995-1996), which focused on a group of British composers. The issue was entitled “Aspects of Complexity in Recent British Music”. Barrett was Redgate’s colleague and compatriot and witnessed the formation and development of his creativity first-hand. They were in touch for a long time, and their collaboration resulted in a creative project Ensemble Exposé, jointly founded by the composers in 1984. This makes Barrett’s article especially valuable, since it provides a critical review and assessment of creativity and the creative process from the professional perspective of his counterpart. The article examines Redgate’s early works written in the 1980s/early 1990s. Barrett focuses on the most important aspects of Redgate’s works. He describes their genesis, provides an overview of his compositional techniques, and gives a few remarks on Redgate’s musical notation. Barret declares his approach to the study saying, “I have nowhere quoted or paraphrased the composer’s words: it is axiomatic to my approach that it embodies a personal journey through somewhat hazardous terrain, in the hope that the reader will make his or her own.” The article by R. Barrett, first published in Russian translation, is supplemented with an introduction and notes by the translator. Скачать статью