Category: Старинная музыка

HAYDN, MOZART AND PLEYEL: RIVALRY AND INTERINFLUENCES

Abstract: Ignaz Pleyel was one of the talented and extraordinarily popular composers of his time. At least twice in his life he could instill a sense of rivalry in his eminent contemporaries—Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus Mozart. This gave birth to several most interesting instrumental works of the 18th century, i.e., the “Haydn” Quartets by Mozart and the Sinfonia Concertante in B flat major by Haydn. Mark Evan Bonds has convincingly shown that the “forefather” of the genre was not the only person involved in the three out of six Mozart’s quartets dedicated to Haydn. When composing his works, Mozart made himself familiar with Pleyel’s Quartets Oр. 1 written according to the model of Haydn’s works. Mozart, to all appearances, decided to surpass Pleyel. Haydn’s Sinfonia Concertante in B flat major was composed during the creative competition with Pleyel in London. It was organized by rival impresarios Johann Peter Salomon and Wilhelm Kramer. The composition was Haydn’s answer to similar works by his ex-pupil Pleyel—Sinfonia Concertante in F major and Sinfonia Concertante in A major. However, where Mozart was an absolute winner leaving behind not entirely independent quartet experiments of his rival, the competition between Haydn and Pleyel ended in a “draw”. The London concert symphonies of both composers are marked by the maturity of style, beautiful melodism, compositional creativity as well as the harmonic balance of virtuosic solo parts and orchestral monumentalism. Pleyel was instrumental in the very existence of certain works by Mozart and Haydn. However, both of them also influenced his style. This is especially true of Pleyel’s interpretation of the sonata form. In the first quartets he relied on Haydn’s model with the variant transformation of the main theme, then, however, he resorts to Mozart’s model with its thematic plurality, combinatorics, and thematic and structural parallels with the Italian opera arias. Pleyel’s symphonies concertante are the extreme of similarity to Mozart’s form. Download the article

В объятиях музыки любви. К юбилею Дж. Б. Виотти

Аннотация: В статье представлены малоизвестные отечественному читателю факты биографии ярчайшего скрипача рубежа XVIII–XIX веков – Джованни Баттиста Виотти. Обнаруженные в последние десятилетия зарубежными учеными ценные архивные документы проливают свет на различные события творческой жизни музыканта. Немалый интерес вызывает период становления его исполнительской карьеры, связанный с годами, проведенными в Турине под покровительством принца делла Чистерна. Собраны любопытные факты предпринятого вместе с учителем Г. Пуньяни концертного турне по крупнейшим европейским городам и России, которое завершилось блестящим дебютом Виотти в Париже. До сих пор оставалась за занавесом деятельность Виотти в Лондоне, где он провел половину своей жизни после вынужденного отъезда из французской столицы. Именно в лондонский период им были созданы широко известные в наши дни концерты для скрипки с оркестром № 20 D-dur, № 22 a-moll, № 23 G-dur, составляющие основу учебного репертуара. В конце XX века настоящей сенсацией стало обнаружение австралийским ученым Д. Йим переписки Виотти с известной в свое время английской аристократической семьей Чиннери. Благодаря этой находке сегодня мы можем не только многое узнать о жизни и творчестве музыканта в Лондоне, но и понять, какие  глубокие душевные переживания скрывались за его прекрасными творениями. Abstract: The article explores the biography of Giovanni Battista Viotti—the outstanding violinist of the turn of the 18th-19th centuries whose work and life have received little attention in Russia. Valuable archival documents discovered by foreign scholars in recent decades shed light on Viotti’s creative life. Of considerable interest is the formation of his performing career, associated with the years Viotti spent in Turin under the patronage of Prince della Cisterna. The article provides curious facts about the concert tour undertaken with the teacher G. Pugnani around Russia and the largest European cities that was crowned by Viotti’s brilliant debut in Paris. Until now, little has been known about Viotti’s life and work in London, where he spent half of his life after his flee from the French capital. While in London, Viotti composed the concerts for violin and orchestra No. 20 D-major, No. 22 a-minor, and No. 23 G-major. Today, these well-known concerts form the basis of educational repertoires. At the end of the 20th century, the Australian scientist D. Yim discovered Viotti’s correspondence with the famous English aristocratic family of Chinnery. The discovery was a sensation. The finding reveals a lot about Viotti’s life and work in London and provides a better understanding of the deep emotional experiences hidden behind his beautiful creations. Скачать статью

«Отец-создатель» современной скрипичной школы игры: к юбилею Дж. Б. Виотти

Аннотация: Статья посвящена крупнейшему музыканту рубежа XVIII–XIX веков, признанному главе французской скрипичной школы Дж.Б. Виотти. В ней впервые в отечественном музыкознании сделан акцент на роли Виотти как основоположника современной школы скрипичной игры. Исполнительское искусство Виотти, направленное на достижение масштабной и экспрессивной манеры игры, раскрытие содержательности скрипичного тона и его широкого художественного воплощения нашло яркое отражение в жанре сольного скрипичного концерта. Сформированная им модель жанра послужила образцом для последующего поколения скрипачей-композиторов. Традиции творчества Виотти получили распространение по всей Европе. Во Франции они были развиты его ближайшими последователями – Р. Крейцером, П. Роде, П. Байо, ясно воплотились в их совместном труде – знаменитой «Скрипичной методике» (1802) Парижской консерватории. Во франко-бельгийской скрипичной школе их продолжателем стал А. Роберехтс, в чешской – Ф.В. Пиксис. В немецком скрипичном искусстве принципы Виотти укоренились благодаря композиторской и исполнительской деятельности Л. Шпора. На новом этапе развития скрипичного исполнительства большой вклад в их сохранение и развитие внесли выдающиеся педагоги Й. Иоахим и Л. Ауэр, воспитавшие не одно поколение прославленных скрипачей. Идеи концертного творчества Виотти, переосмысленные и индивидуально интерпретированные, присутствуют в скрипичных произведениях Н. Паганини, Л. ван Бетховена, Ф. Мендельсона, А. Вьëтана, Г. Венявского, Э. Лало, А. Дворжака, П.И. Чайковского, А.К. Глазунова, Я. Сибелиуса, а также С.С. Прокофьева, Д.Д. Шостаковича, А.И. Хачатуряна. Материал, предложенный автором, предлагает по-новому взглянуть на деятельность величайшего скрипача прошлого и оценить его вклад в формировании лучших традиций скрипичного исполнительства. Abstract: The article focuses on one of the key figures in the world of music at the turn of the 18th/19th centuries, an acknowledged leader of French school of violin playing—G.B. Viotti. The study is the first attempt of Russian musicology to highlight the role of Viotti as the founder of the modern school of violin playing. Viotti’s performing art with its large-scale and expressive manner of playing that reveals all the possibilities of violin as an instrument as well as ample opportunity for its artistic presentation, is vividly reflected in the genre of the solo violin concerto. His vision of the genre served as a model for the next generation of violin composers. Viotti’s traditions of creativity have extended throughout Europe. In France, they were developed by his closest followers—R. Kreutzer, P. Rode, P. Baillot, who embodied them in their joint work—the famous “Méthode de violon” (1802) of the Paris Conservatory. A. Robberechts became their successor in the Franco-Belgian violin school, while F.W. Pixis developed Viotti’s tradition in the Czech school. Viotti’s principles are rooted in German violin art thanks to the composing and performing activities of L. Spohr. At the new stage in the development of violin performance, a great contribution to the preservation and development of Viotti’s tradition was made by J. Joachim and L. Auer. The two outstanding teachers brought up more than one generation of famous violinists. Paganini, L. van Beethoven, F. Mendelssohn, H. Vieuxtemps, H. Wieniawski, E. Lalo, A. Dvořák, P. Tchaikovsky, A. Glazunov, J. Sibelius, as well as S. Prokofiev, D. Shostakovich, and A. Khachaturian borrowed, rethought and interpreted the creative ideas of Viotti’s concerts and the traces of these ideas are found in their violin works. The paper offers a fresh look at the activities of the greatest violinist of the past and evaluates Viotti’s contribution to the formation of the best traditions of violin playing. Скачать статью

Жанр концертной симфонии в творчестве Гайдна и Моцарта

Аннотация: Статья посвящена малоизученному в отечественном музыкознании жанру классической эпохи – концертной симфонии (фр. symphonie concertante, ит. sinfonia concertata) и ее воплощению в творчестве Й. Гайдна и В.А. Моцарта. В ней рассматриваются три основополагающих для истории и теории жанра вопроса. Первый – развитие представлений о термине и феномене кончертанте. В справочных, энциклопедических и научных трудах XVIII – начала XXI века фигурируют различные точки зрения на этот жанр; в одних подчеркивается его симфоническая природа, в других – концертная, в третьих – смешанная. В связи с этим второй освещаемый в статье вопрос – различные модели концертных симфоний, выработанные в разных региональных традициях. Автор выделяет две магистральные линии развития жанра – условно, немецко-французскую (К. и А. Стамицы, К. Каннабих, Ж.-Б. Даво, Дж. Камбини, Ф.Ж. Госсек и другие) и австрийскую (Й. Гайдн, К.Д. фон Диттерсдорф, В.А. Моцарт, И. Плейель, Ф.А. Хоффмейстер, Л. ван Бетховен и другие). В обеих традициях симфонии кончертанте представляют собой крупные циклические оркестровые сочинения с развитыми партиями двух или более солирующих инструментов, как правило с виртуозными каденциями в одной или нескольких частях. Обычно в таких сочинениях преобладали мажорные тональности и веселый праздничный колорит. Однако многие качества отличали австрийские концертные симфонии от немецко-французских. Особенности австрийских кончертанте (третий аспект исследования) рассмотрены в статье на примере концертных симфоний и концертов для нескольких солирующих инструментов Моцарта и Гайдна. Трех-или четырехчастный цикл, разнообразие музыкальных форм при опоре на сонатность во всех частях, продуманные интонационно-тематические связи, равноправие солистов и оркестра или даже преобладание оркестрового пласта – те ключевые черты, которые приближают австрийские кончертанте к симфонической трактовке, в отличие от более концертных немецко-французских сочинений в этом жанре. Abstract: The article focuses on the concert symphony (fr. symphonie concertante, it. sinfonia concertata) – a classical music form which remains little studied in Russian musicology – as is exemplified in the works of Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus Mozart. The study raises three questions crucial for the history and theory of the genre. First, the article analyses the development of ideas about concertante as well as relevant terminology. Reference books and scientific works of the 18th-early 21st centuries provide different points of view on the genre. Some highlight its symphonic nature, while others take a middle position or lean toward its concert-related aspects. Second, the article analyses different models of concert symphonies shaped in different regional traditions. The study has allowed to distinguish two mainstream lines of genre development – German and French (C. Stamitz and A. Stamitz, C. Cannabich, J.B. Davaux, G. Cambini, F. J. Gossec, and others), and Austrian (J. Haydn, C.D. von Dittersdorf, W.A. Mozart, I. Pleyel, F.A. Hoffmeister, L. van Beethoven, and others). In both traditions, concert symphonies are generally cyclic orchestral works with elaborated parts for two or more solo instruments. They are often marked by virtuoso cadences in one or several movements as well as a major tonality and cheerful festive mood. However, in many aspects Austrian concert symphonies differ from German and French ones. The article examines the features of Austrian concertante (the third aspect of the research) based on the evidence from concert symphonies and concerts for several solo instruments by Mozart and Haydn. The key features include a three- or four-part cycle, a variety of...

На пересечении традиций: Австрия и Россия в творческой судьбе В. Мартин-и-Солера

Аннотация: В статье рассматривается ключевая роль Австрии и России в творческом развитии испанского композитора Висенте Мартин-и-Солера, который шел по пути преобразования жанровых канонов оперы буффа. В работе применяются сравнительно-исторический и социально-контекстуальный методы исследования, позволяющие раскрыть определенную общность процессов распространения и популяризации музыки композитора, ее вхождения в широкие слои бытовой музыкальной культуры Вены и Петербурга. Подчеркивается важность лирико-пасторальной образности, направленной на аудиторию «любителей», анализируются разнообразные каналы распространения, включающие как рукописные материалы так и публикацию партитур и переложений для голоса и клавишных, а также для разных составов инструментов, применяемых в сфере домашнего музицирования, транскрипций, вариаций на популярные темы. Своеобразная форма популяризации – серьезная переработка самого музыкального материала опер вплоть до изменения его жанровой природы, например, публикация или распространение рукописных материалов в виде танцев. Отдельное внимание уделяется постановкам популярных опер («Редкой вещи» и «Древа Дианы») на национальных языках, что происходило как в Вене, так и в Петербурге. Благодаря свободным переводам либретто, популярные произведения вбирали черты каждой национальной культуры, отражая местные реалии, приближаясь к зингшпилю в Австрии, а в России служили фундаментов для становления русской комической оперы. В статье уделяется внимание рассмотрению некоторых рукописных материалов Юсуповской коллекции (РНБ, Санкт-Петербург), где представлены разного рода переложения, что подтверждает широкий интерес русской аристократии к музыке Мартин-и-Солера. В статье впервые предпринято сравнительное сопоставление двух самых известных опер испанского композитора с точки зрения их публичного восприятия в Австрии и России в 1780-90-е годы, что позволяет увидеть общность характера, бытования и распространения музыки композитора в этих странах. Abstract: The article discusses the key role of Austria and Russia in the creative development of the Spanish composer Vicente Martín y Soler, who was engaged in the transformation of the opera buffa as a genre. The study applies comparative historical and social contextual analysis, which allows to reveal certain similarities in distribution and popularization of Martín y Soler’s music, its penetration into everyday musical culture of Vienna and St. Petersburg. The article highlights the importance of lyrical and pastoral imagery aimed to please the amateur audience. It focuses on various distribution channels including handwritten materials, published scores and transcriptions for voice and keyboards, different sets of instruments for domestic music-making, transcriptions, and variations on popular themes. A peculiar approach to popularization is a serious reworking of opera music at times resulting in change of the very essence of the genre, for example, the publication or distribution of handwritten materials in the form of dances. The article scrutinizes the productions of popular operas (“A Rare Thing” and “The Tree of Diana”) in national languages staged in Vienna and in St. Petersburg. Thanks to free libretto translations, popular works absorbed the features of each national culture and reflected local realities. In Austria, they resemble the singspiel and in Russia –  laid the foundations for the development of Russian comic opera. The article provides an overview of some handwritten materials of the Yusupov collection (National Library of Russia, St. Petersburg) which includes a range of transcriptions. This provides evidence that Russian aristocracy showed a genuine interest in Martín y Soler’s music. The article is a first attempt of a...

Российский музыкант Иоганн Леопольд Фукс (1783-1853): взгляд современного исследователя

Аннотация: Статья посвящена выдающемуся, но незаслуженно забытому российскому музыканту первой половины XIX в. – И.Л.Фуксу. Выходец из Германии, проведший в России более полувека, он считал ее своей второй родиной и «желал быть преимущественно полезным русским артистам». Фукс проявил себя как талантливый педагог, композитор, автор музыкально-теоретических руководств. Среди учеников Фукса – М.Глинка, Ф.Толстой, М.Резвой, Ю.Арнольд, М.Виельгорский. Фуксу принадлежит первый написанный и изданный в России учебник композиции – «Практическое руководство к сочинению музыки» (1830), благодаря переводу которого произошел качественный скачок в формировании русскоязычного музыкально-теоретического терминологического аппарата. В отечественной науке деятельность Фукса не получила достаточного освещения. Недостоверной оказалась даже информация о дате и месте его рождения, размещенная в «Музыкальной энциклопедии». Картину жизненного пути музыканта до недавнего времени можно было сравнить с белым пятном. Сегодня ситуация изменилась благодаря обстоятельным исследованиям немецкого ученого Роберта Вайсмана. Сведения, обнаруженные им, в данной статье впервые вводятся в русскоязычный научный обиход. Вкупе с материалами, найденными автором статьи, они позволяют по-новому взглянуть на личность выдающегося музыканта и составить его объемный портрет, а также восстановить историческую справедливость в отношении той значительной роли, которую Фукс сыграл в российской музыкальной культуре «доконсерваторского» этапа. Abstract: The article focuses on Johann Leopold Fuchs – a distinguished, but undeservedly forgotten Russian musician of the first half of the 19th century. A native of Germany, who spent more than 50 years in Russia, he considered it to be his second homeland and “wanted to be helpful mainly to Russian artists.” Fuchs proved himself as a talented teacher, composer and author of music theory manuals. He taught such outstanding musicians, composers and music educators as M. Glinka, F. Tolstoy, M. Rezvoy, Y. Arnold, and M. Vielgorsky. Fuchs is the author of the first composition guide “A Practical Guide to Music Composition” (1830). Published in Russia, the work, due to its Russian translation, was a great contribution to the development of Russian-language terminology of music theory. In Russia, life and career of J.L. Fuchs remain little studied. An illustrative example is the incorrect information about his date and place of birth found in the Encyclopedia of Music. Until recently, nothing was known about the musician’s life. However, a thorough investigation carried out by a German researcher Robert Weissmann has made a difference. The article is the first attempt to introduce the evidence found by Weissmann into the Russian-language academic discourse. Together with the materials obtained by the author of the article, it helps bring a new, broader focus on the personality of the outstanding musician, as well as to highlight the dramatic impact Fuchs made on Russian music culture of the first half of the 19th century. Скачать статью

«Слушай же, Сальери, мой Requiem»: Реквием В.А. Моцарта в культурной жизни России XIX – начала XX веков

Аннотация: Статья посвящена истории рецепции в дореволюционной России одного из самых известных музыкальных произведений австрийского композитора Вольфганга Амадея Моцарта, его Реквиема KV 626. Основываясь на исследовательских методах, изложенных в работах современных британских музыковедов Саймона Кифе (S. P. Keefe, 2012) и Марка Эвериста (M. Everist, 2012), статья представляет собственную стратегию анализа «российской жизни» этого неоконченного сочинения. Так, в ней изучаются печатные издания этой композиции, предназначенные для распространения на российском рынке (например, снабженный русским переводом А. Майкова клавир, изданный в Санкт-Петербурге), концертные программы, иллюстрирующие процесс интеграции этого сочинения в российскую концертную жизнь (прежде всего, программы концертов Санкт-Петербургского Филармонического Общества), литературно-критические статьи и исследования, отсылающие как к моцартовскому оригиналу, так и к его новейшим публикациям или интерпретациям (среди прочего, издание монографии А. Улыбышева с комментариями Г. Лароша), а также авторские музыкальные композиции, включающие в себя отрывки из моцартовской партитуры (в первую очередь, так называемые ‘драматические сцены’ «Моцарт и Сальери», написанные в 1897 году Н.А. Римским-Корсаковым). Рассматривая рецепцию Реквиема Моцарта с самых разных сторон, статья создает объемный портрет «российской жизни» неоконченного шедевра великого австрийца и показывает постепенное изменение его звукового облика и смысловой нагрузки в России того времени. Abstract: This article concentrates on the Russian reception history of the most famous church work by Wolfgang Amadeus Mozart, his Requiem mass in D minor, in the 19th–beginning of the 20th centuries, up to the Russian revolution. Taking as a premise some research methods outlined in current studies by Simon P. Keefe (Mozart’s Requiem, 2012) and Mark Everist (Mozart’s Ghosts, 2012), it shall propose its own research strategy that views the ʻRussian after-lifeʼ of this unfinished masterpiece from different angles. First, I shall contextualize the Requiem reception history within local editorial practices, scrutinising a number of editions, transcriptions, and arrangements, published in Russia in the period under consideration (e.g., a vocal score with A. Maykov’s Russian translation of the text printed in Saint Petersburg). Second, I will illustrate the process of Requiem’s integration into the repertoire of the most influential concert organisations (such as the Saint Petersburg Philharmonic Society), using a sample of extant concert programs and announcements. Third, I will outline a wide range of approaches towards this composition and its performances in musicological studies, critical essays, and concert reviews (for instance, in the Russian version of A. Ulybyshev’s Mozart Biography, translated by M. Tchaikovsky and commented by H. Laroche). Finally, I shall shed some light on the way Mozart’s masterpiece was creatively used in the current compositional process, examining its incorporation into works written by Russian musicians (e.g., in N. Rimsky-Korsakov’s opera «Mozart and Salieri»). Viewing the reception history from all these analytical angles helps create a multifaceted portrait of the Requiem’s ‘after-life’ in Russia, one that shows a gradual change of its meaning and soundscape in the process of interaction between Russian and Austrian cultures. Скачать статью

Музыка на службе Габсбургов: австрийские ораториальные жанры XVII – XVIII века в точке пересечения духовной и придворной культуры

Аннотация: В статье ораториальные жанры рассматриваются в контексте религиозно-политической жизни Австрии XVII – 1-й половины XVIII века. В австрийской культуре этого периода музыке отводилась важная репрезентативная роль: музыкальное искусство должно было возвеличивать правящих монархов как кайзеров Священной Римской империи и ревностных католиков. Закономерно, что особое значение придавалось ораториальным жанрам. Возвышенные и в то же время театрально-репрезентативные, основанные на текстах священного писания, но напрямую не связанные с литургической практикой, они представляли собой превосходный инструмент для воздействия на умы и сердца подданных. Центром музыкальной жизни Вены была придворная императорская капелла, где культивировались главные духовные жанры эпохи: оратория и сеполькро. Последний, несмотря на итальянское происхождение, фактически представлял собой специфически австрийскую разновидность оратории.  Преимущественно одночастные, sepolcri имели особый, довольно ограниченный круг сюжетов (последние дни земной жизни Христа) и исполнялись на фоне модели Гроба Господня. Автор работы рассматривает особенности либретто, некоторые вопросы музыкальной поэтики и стиля сеполькро, а также связи этой жанровой ветви с венской придворной культурой и местными религиозными традициями. Также показано, в какой степени духовные жанры зависели от личных вкусов и политических целей австрийской императорской семьи, что во многом определяло их эволюцию. Тесное взаимодействие музыки, политики и религии в XVII–XVIII столетии во многом способствовало развитию богатой и очень самобытной традиции, которая, в свою очередь, оказала неоспоримое влияние на кантатно-ораториальное творчество венских классиков. Abstract: In the 17th and the first half of the 18th centuries, music played an important role representing the House of Habsburg as both the political and the ecclesiastic leader of the Holy Roman Empire. The genre of oratorio rose to special prominence as a major instrument of imperial propaganda: not directly liturgical yet based on biblical texts, the oratorio offered a perfect combination of the secular and the sacred. This article explores the distinct, often idiosyncratic ways in which the genre developed at the Imperial Court Chapel, the center of Vienna’s musical life. In addition to oratorios proper, the Court Chapel cultivated the genre of sepolcro, which, despite its Italian origin, can be seen as a specifically Austrian type of oratorio. The one-part sepolcri were performed alongside the model of the holy sepulchre and had a limited number of plots, all centering on the last days of Christ’s life. A thorough analysis of textual and music-stylistic specificities of the Austrian sepolcri demonstrates deep connections between this genre and Viennese court culture as well as local religious traditions. The extent to which ecclesiastic genres were dependent on the tastes and demands of the Austrian court much determined the evolution of these genres. The juncture of music, politics, and religion greatly contributed to the creation of the rich tradition that, in its own turn, influenced the ecclesiastic output of the Viennese classical school. Скачать статью

Антемы Генри Перселла: библейский текст и особенности его музыкального воплощения

Аннотация: В данной статье рассматривается специфика музыкального воплощения библейских текстов в антемах Генри Перселла. Помимо традиционных для барочной музыки аспектов, таких как анализ гармонического языка или музыкально-риторических фигур, важное место отводится выявлению музыкальных проявлений особой структуры библейского стиха – библейского параллелизма. Осуществивший грандиозный синтез достижений английских и зарубежных предшественников и современников, Перселл сочетает в своем антемном творчестве внимание к деталям словесного текста с опорой на структурные особенности библейского стиха. При этом зачастую композитор творчески переосмысляет параллелизм, лежащий в основе избранных псалмовых стихов, привнося тем самым новые краски и оттенки в музыкальное воплощение библейского текста. Abstract: This article deals with the biblical text musical implementation peculiarities in anthems by Henry Purcell. Together with traditional for baroque music analysis aspects, such as harmonic language or rhetorical figures, an important place is given to a question of musical implementation of the biblical verse structural feature – biblical parallelism. Attaining a grand synthesis of the English and foreign predecessors and contemporaries musical achievements, Purcell combines in his anthems strong attention to verbal text details with strict following the biblical verse structural features. However composer often freely reconsiders variant of parallelism underlying the selected psalm verses. Thus he brings new colors and inflections into his biblical texts musical implementation. Скачать статью

Хоральная обработка: историческая ретроспектива метода и жанра

Аннотация: Хоралы и хоральные обработки – неиссякаемый источник для изучения творческого процесса их создателей. Обработки хоральных мелодий наиболее ярко выявляют степень взаимодействия заимствованного и оригинального материала в композициях разных этапов развития музыкального искусства. Метод и жанр хоральной обработки имеют различные исторические дистанции. Метод своими истоками  уходит в далекие Средние века и, пройдя через эпохи, продолжает новую жизнь в современной музыке. Жанр хоральной обработки окончательно сложился в музыке Барокко. Хорал является образно-содержательным стержнем и тематической основой многих духовных сочинений И.С. Баха. Развернутые композиции хоральных обработок обнаруживаются в творчестве Ф. Мендельсона. В современной академической музыке встречаются лишь образцы цитирования хоральных мелодий в контексте индивидуальных форм и жанров. Исследование шедевров творческого воплощения хорала в композициях разных эпох расширяют наши представления о творческих стилях великих мастеров искусства. Abstract: Chorales and chorale arrangements provide rich material for studying composers’ creative process. Chorale arrangements clearly reveal the degree of interaction between the borrowed and original material in compositions written at different stages of the musical history. The method and genre of chorale arrangement are historically distanced. The method has its origins in the Middle Ages, passes through different epochs and receives a new life in modern music. The genre of chorale arrangement was developed in the Baroque music. Many of I.S. Bach’s spiritual works draws their subjects and musical themes upon chorales. The large compositions of chorale arrangements may be found in F. Mendelssohn’s works. In contemporary music chorale melodies are presented only as quotations in the context of individual forms and genres. By studying the creative embodiment of chorale arrangements in compositions belonging to different historical eras we can extend our understanding of the great masters’ creative styles. Скачать статью